RESEÑA: Encounter, Above The Stag ✭✭✭✭✭

De izquierda a derecha: Penelope Day,  Alexander Huetson, Adam Lilley.  Crédito de la foto: Scott Rylander Encuentro

Above The Stag, Vauxhall

25/10/15

5 Estrellas

Comprar Entradas Above the Stag, debajo de los arcos del ferrocarril de Vauxhall, es bien conocido por su repertorio cuidadosamente programado con temática gay, pero igualmente importante para su creciente reputación y éxito es el hecho de que Peter Bull y su equipo producen todos los espectáculos internamente. Esto garantiza valores de producción consistentes, priorizando una mezcla de nuevas escrituras impactantes, revivals estratégicos de espectáculos injustamente olvidados, y divertidos musicales o panto. Las limitaciones de espacio, presupuesto y tiempo de ensayo se convierten regularmente en oportunidades creativas que proporcionan una experiencia continuamente gratificante, estimulante, divertida y a la vez íntima para el público. Todas estas cualidades se exhiben muy bien en el magnífico nuevo espectáculo, Encuentro, que toma como inspiración la película de posguerra de Noel Coward y David Lean Breve encuentro, y presenta un guion excelente y algunas destacadas actuaciones. A menudo se argumenta que las obras de Coward, Rattigan y Tennessee Williams ofrecen estudios de casos de sexualidad desplazada, en las que el dramaturgo sumerge su propia homosexualidad en las experiencias de parejas heterosexuales para explorar encuentros de manera oblicua que nunca podrían haberse escenificado directamente en ese momento. Aunque hay algo que decir sobre esta interpretación (especialmente en el caso de The Deep Blue Sea de Rattigan) suele ser mucho más complicado que eso.

Alexander Huetson, Adam Lilley, Christopher Hines Crédito de la foto: PicsByGaz.com Ciertamente, en este caso los personajes de Coward estaban completamente formados, primero como vehículos para él mismo y Gertrude Lawrence, en la obra corta A Still Life, y más tarde en los papeles hechos famosos en la película por Celia Johnson y Trevor Howard. Pero eso no significa que convertir a los personajes en dos hombres gay sea de alguna manera ajeno a la estética del original, que se reencarna aquí fielmente.

Pues el drama es tanto un relato de las presiones imposibles que sufrían las personas comunes al final de la guerra en 1947, como una simple historia de amor frustrado. El racionamiento, la austeridad forzada, la mala salud pública, las enormes desigualdades de clase y riqueza y las oportunidades educativas son todos temas que recorrían el original y que regresan aquí en el sutil replanteamiento de Phil Willmott. La victoria parecía poco mejor que la derrota. A eso se añade el corsé de matrimonios infelices de los cuales el nuevo amor ofrece una repentina esperanza de escape jubiloso y se tienen exactamente las atractivas circunstancias necesarias para presentar una relación gay transgresora pero redentora dentro de un marco contemporáneo plausible.

Es en gran medida el mismo mundo y conjunto de problemas que J.B. Priestley explora en An Inspector Calls, y la dirección (también de Phil Willmott) evoca en algunos aspectos el estilo de la famosa producción de Stephen Daldry. Si no fue lo que Coward escribió fue seguramente fiel a la textura de la vida que se vivía y experimentaba en más de unas pocas estaciones, parques y sacristías de posguerra... y ahora se puede evocar y documentar...

Willmott señala que este es un homenaje de época colocando un moderno motivo envolvente alrededor de la historia principal, de tal manera que vemos a una pareja gay contemporánea reaccionando al material preservado en un diario que ha aparecido abandonado en un kiosco. Desde allí nos trasladamos a la Estación Vauxhall en 1947 en nubes de vapor, iluminación expresionista impactante y un conjunto maravillosamente evocador que se disuelve en tonos sepia que evocan la película. El diseñador David Shields (quien es entrevistado en el programa) tiene un gran historial en este teatro donde el reto es hacer pleno uso de la anchura del área del escenario mientras se da una ilusión de profundidad.

Alexander Huetson y Adam Lilley Crédito de la foto: PicsByGaz.com

Este conjunto es uno de los mejores: se logra meter mucho en un espacio pequeño: un kiosco de venta, la estructura metálica y arquitrabe de galleta de una estación victoriana, avisos de época, una sala de espera gótica que también es sacristía de iglesia, y un hogar familiar en Surbiton junto al hogar. Sin embargo las líneas de visión están claras, y los actores parecen a gusto dentro de él. El público tiene tanto proximidad real como la ilusión de distancia de la acción, y la sensación de época es perfecta. Lo mismo ocurre con el vestuario.

Hay cuatro actores, dos de los cuales tienen papeles dobles. Adam Lilley interpreta al Dr. Lawrence Marsh, quien está comisionado a una clínica en Vauxhall un día a la semana. Alexander Huetson es Arthur Hollis, el jefe de la estación, quien primero conoce al Dr. Marsh como paciente. Penelope Day interpreta tanto a la esposa de Marsh, Sarah, como a una vendedora de periódicos, Mavis Madden. El reparto se completa con Chris Hines, quien representa tanto a un policía como al vicario local, y figura como subdirector.

Aunque hay algunos momentos de melodrama aquí, como en el original, éstos están confinados a la trama más que a la interpretación, notable por su sutileza y contención. Lo que no se dice o lo que se dice mediante el lenguaje corporal en lugar de palabras produce una demostración elocuente de que menos suele ser más, y ciertamente en los personajes británicos súper reservados y contenidos de este período. Los dos hombres gay en particular están enrollados como resortes bajo tensión, y a menos que sientas eso, la obra no puede funcionar.

La relación entre Marsh y Hollis está muy cuidadosamente desarrollada. Hace referencia a la película: una matinal de cine, una música recurrente de melancolía y anhelo —Schubert, no Rachmaninoff esta vez— interrupciones desconcertantes por parte de otros en puntos clave, pero define su propia trayectoria en términos completamente plausibles. Marsh es tanto el más elocuente como el más conflictivo de los dos, y el que es mucho más prisionero de las ansiedades convencionales de clase y morales. Este angustioso contraste está muy bien retratado por Lilley, oscilando entre el miedo y una sobreafirmación jactanciosa, y reacio a admitir el poder del amor y la atracción sexual. En última instancia, este es un estudio de la autoabsorción y de cómo, bajo presión, eso conducirá a la crueldad no intencionada y al sacrificio de la autorrealización. Marsh tiene más que perder según lo juzga la sociedad, pero en el proceso renuncia a la mejor oportunidad que tendrá jamás para ser fiel a sí mismo. Lilley nos muestra la resaca de arrepentimiento y pérdida, así como la confianza superficial fanfarrona.

De izquierda a derecha: Christopher Hines, Adam Lilley, Alexander Huetson Crédito de la foto: Scott Rylander

Arthur Hollis es técnicamente un papel desafiante de llevar a cabo porque es mucho menos articulado que Marsh. Sin embargo, Huetson hace un trabajo magistral y conmovedor al convertirlo en el barómetro emocional de la obra, moviéndose del optimismo chispeante a un estoicismo lánguido. En parte a través del lenguaje corporal y en parte a través de la detallada actuación fuera del discurso, Huetson encuentra una elocuencia, ternura y dignidad para su personaje que es muy emotiva. Y cuando encuentra su voz, en un monólogo sobre la realidad del prejuicio y la persecución, y en una poderosa declaración sobre el poder transformador del amor, los resultados son realmente conmovedores.

Los papeles de Penelope Day son una parte importante del anclaje estructural y emocional de la obra. La esposa que se queda en casa, como en la película, es un papel bastante ingrato, pero necesita ser una interpretación perfecta de la bondad común y sencilla para que funcione, y eso es difícil de lograr. Ella necesita ser una buena persona por derecho propio para hacer que la trama sea más conmovedora: Marsh no debería tener ninguna buena razón distinta al amor para dejar a su esposa. Mavis Madden es una creación más burda, tanto parte Sra. Pike de Dad’s Army, como parte Sra. Malaprop de The Rivals. Sirve para aligerar y bajar el tono, mientras que también ofrece entendimiento discreto y comprensivo para la historia de amor y una especie de coro.

Similarmente, el personaje del policía es más un estereotipo cómico que un papel principal, pero la interpretación de Chris Hines mostró bien las contradicciones y paradojas entre su vida personal como un Don Juan errante y su rol oficial como guardián moral. El vicario, por otro lado, es una creación mucho más incómoda y siniestra: una demostración del poder malevolente del odio hacia uno mismo por ser gay y los celos sexuales, barnizados con una especiosa, aceitosa y falsa empatía.

Las evocaciones de películas famosas pueden caer fácilmente en la parodia o comedia no intencionada, pero gracias a la habilidad de la escritura y la actuación cuidadosamente graduada y completamente habitada, esta producción es un triunfo por todos lados y merece una carrera exitosa. Encuentro explora profundamente el daño de las distinciones de clase y expone los efectos de la privación, ya sea sexual, emocional o social, en un drama conmovedor y no dogmático que puede llegar a cualquier persona atrapada en la brecha entre la realidad comprometida y la aspiración anhelada. También hay mucho humor, tanto amplio como irónico.

Es una de las dos o tres obras que más me han impresionado este año. No se la pierdan.

Encuentro se presenta en el Above The Stage Theatre, Vauxhall hasta el 15 de noviembre de 2015