RESEÑA: Ciudad de Ángeles, Donmar Warehouse ✭✭✭✭

City of Angels

Donmar Warehouse

19 de diciembre de 2014

4 Estrellas

¿Qué es esto? ¿Es eso un escenario giratorio en el escenario del Donmar? Pues sí, lo es. Un escenario giratorio integrado en un pavimento de época antiguo. También hay una escalera que se retuerce, que conduce desde el nivel inferior a un nivel superior donde, claramente, ocurrirá la acción. La sección superior tiene un telón de fondo de pilas y pilas de papeles, guiones: es el dominio de un escritor. La sección inferior tiene un telón de fondo de latas de película; una biblioteca de estudio de éxitos pasados, los títulos llamativos meticulosamente escritos en el costado de cada lata delgada. Y todo es en blanco, negro y gris.

Robert Jones, en un golpe hábil, proporciona al público que entra en Donmar Warehouse una comprensión clara de lo que están a punto de investigar en la producción de Josie Rourke de la obra maestra olvidada City of Angels: dos mundos relacionados, el mundo real del escritor y el mundo de ficción que produce; dos mundos donde habrá cruces y donde habrá giros, vueltas y revólveres. Solo al mirar el set, el público puede ver que este no es un musical ordinario: tienen que prestar atención. Pueden sentir lo que les espera.

Jones les ayuda - el mundo del escritor presenta color; el mundo de la película ficticia es todo blanco y negro, reflejando el espíritu de los grandes clásicos del cine noir que, en su corazón, esta pieza celebra y destroza. El diseño de iluminación ejemplar e inspirador de Howard Harrison ayuda significativamente en la comprensión de los mundos duales. El Donmar rara vez ha lucido tan bien como aquí gracias a Jones y Harrison.

City of Angels tiene un pedigrí impecable: un libro de Larry Gelbart, letras de David Zippel y una rica y atrevida partitura de Cy Coleman. Ofrece un gran alcance para lo sexy, lo divertido, sorpresas y emociones. Y un canto extraordinario.

Hay dos historias paralelas que se entrelazan. Stine es un escritor, casado pero infiel, que está constantemente luchando con el estudio para preservar la integridad artística de su libro, que está adaptando para la pantalla. Tiene que lidiar con sus propias insuficiencias así como con las demandas absurdas de su productor/director filisteo, Buddy Fidler, y las promesas que hace a varias actrices con las que tiene relación íntima. Vemos el vívido mundo que crea para sus personajes, principalmente Stone, el expolicía convertido en detective, el equivalente musical a Humphrey Bogart, y observamos mientras escribe y reescribe sus destinos.

Bastante obviamente, Stone es el héroe interno y macho de Stine, el nombre siendo una pista evidente. Hay mucha diversión con las reescrituras de Stine y el mejor aspecto de la dirección de esta producción es la forma en que el elenco maneja esas revisiones: actúan hacia atrás hasta el punto donde Stone comienza a escribir de nuevo. Nunca deja de ser divertido. Vale la pena ver esta producción solo por esas secuencias.

En muchos otros aspectos, sin embargo, la dirección de Rourke deja mucho que desear. Esta es una de las partituras más sexys y sensuales en el repertorio de Broadway, pero Rourke produce una versión casi estéril y celibate. No tiene nada que ver con la música, que se interpreta con gran entusiasmo y estilo por la orquesta al mando del talentoso Gareth Valentine; tampoco tiene nada que ver con la puesta en escena de los números musicales, todos los cuales ven a Stephen Mear en forma deslumbrante, ingenioso, sorprendente y alegre.

No, los problemas aquí están en el casting y la dirección. Simplemente no hay suficiente chispa en esta Ciudad, los Ángeles no son lo suficientemente angélicos, el sexo no es lo suficientemente provocativo y los personajes, especialmente los personajes ficticios, no son lo suficientemente extremos. Hay un océano de oportunidades perdidas.

La actuación de la noche viene de Marc Elliott, quien tiene el papel relativamente pequeño de Muñoz (el compañero policía ficticio de Stone que está decidido, de una manera tipo cómic, a que Stone enfrente la justicia por un crimen que Muñoz erróneamente cree que cometió) y Pancho, el ídolo matineé extravagante que interpretará el papel de Muñoz en la película. Elliott es asombrosamente bueno; no desperdicia ni un segundo que ofrece el rol y hace mucho con el material. De hecho, el primer acto no cobra vida realmente, en términos de actuación y canto, hasta que entrega su espectacular actuación intermedia, cantando y bailando, acompañado con elegantes bailarines de respaldo: All Ya Have To Do Is Wait. Mear proporciona una espectacular coreografía y Elliott aprovecha la oportunidad ofrecida y la lleva adelante. El espectáculo nunca está mejor que en este número.

Lo cual es notable, porque no es, ni de lejos, el mejor número de la partitura. Las opiniones difieren sobre cuál podría ser el mejor número, pero el que sigue al de Elliott, You're Nothing Without Me, ciertamente está en el top 5. Aquí, es la puesta en escena lo que lo hace electrizante. Stone y Stine tienen el equivalente a un duelo musical, cada uno buscando dominar al otro.

La iluminación de Harrison entra en sobremarcha aquí, produciendo un emocionante coup de théâtre. Es fantástico ver a Stone (Tam Mutu) y Stine (Hadley Fraser) luchar en la zona de guerra Mear/Harrison, pero las voces toman un lugar muy definitivo detrás del movimiento y la iluminación. Así que, donde musicalmente esto puede ser extraordinariamente emocionante como un dúo, aquí es emocionante por otras razones. La nota final de Fraser está perfectamente afinada y cantada, y cierra el Primer Acto en un verdadero punto alto, pero a diferencia del número de Elliott, la música no recibe la atención que realmente merece.

Algunos números están muy bien servidos. Rosalie Craig entrega It Needs Work con verdadero aplomo y estilo; Samantha Barks está excelente en su gran número grave, Lost and Found; Rebecca Trehearn rezuma la sensualidad y estilo correctos en You Can Always Count On Me; Mutu, Fraser y Craig terminan el espectáculo en un vibrante punto alto vocal con el final, I'm Nothing Without You.

Otros materiales funcionan menos bien. Tim Walton es completamente inapropiado para Jimmy Powers; el papel requiere un cantor suave de voz ligera, tipo Johnny Ray. Stay With Me no alcanza su objetivo porque Walton no puede, o no, cantar suavemente. Peter Polycarpou, que parece ser elegido cada vez que se requiere un hombre mayor en un musical (y aun cuando no se requiere) es simplemente demasiado insípido como Buddy y ambos números carecen de vitalidad, amenaza e interés. Craig, sorprendentemente, no aporta pasión ni sexualidad entrecortada a la gloriosa balada, With Every Breath I Take, por lo que, aunque acierta las notas, la pasión y la gloria temblorosa de la canción están completamente ausentes.

Katherine Kelly juzga mal completamente su doble papel; es demasiado tímida, no lo suficiente Lauren Bacall en su enfoque. Esto le roba a Stone de Mutu muchas posibilidades para la acción de galán de cine noir. Él sigue el ritmo, pero no hay sensación de que su corazón, o cualquier otra parte de su cuerpo, esté en ello. Tampoco Kelly es buena en los aspectos cómicos de su personaje. Es una gran decepción.

El cuarteto que comprende Angel City Four no armonizan lo suficiente como para hacer que sus momentos vocales juntos sean cautivadores; individualmente, anotan más puntos: Sandra Marvin, especialmente, lo hace muy bien en su trabajo en solitario. Cameron Cuffe tiene una excelente voz que usa bien, pero su papel, el guapo Peter Kingsley, implica poco canto. Sin embargo, no tiene problema en ser el miembro más bonito del elenco (increíblemente así) y puede actuar de manera muy convincente. Uno a observar.

Fraser y Craig, aunque casados en la vida real (o quizás debido a eso) tienen una sorprendente falta de química en el escenario. Esto dificulta comprender por qué Stine está dispuesto a renunciar a su carrera por Gabby de Craig. De hecho, hay demasiado estilo nerd en la actuación de Fraser; Stine nunca me ha parecido particularmente nerd. Es escritor: bebe, mujeriega y escribe. Fraser puede hacer todo eso y debería ser capaz de ofrecer un Stine más poderoso, más fuera de control de lo que ofrece aquí.

Los dos niveles que Rourke usa en el pequeño espacio del Donmar hacen difícil para el público de los asientos ver toda la acción. Esto es realmente imperdonable; como Directora Artística, Rourke debería conocer las limitaciones del teatro. A menudo hay una sensación de desorden innecesario en el escenario; casi como si la producción estuviera destinada a un escenario más grande. Hay momentos en que la dirección de Rourke hace que los miembros del elenco estén en peligro de literalmente tropezarse unos con otros.

Sin embargo, el poder de la creatividad subyacente en el libro, la partitura y las letras aquí impulsa los asuntos. La música de Coleman es embriagadora, y aunque no hay duda de que podría y debería haber sido mejor servida por la visión de Rourke para la producción y el trabajo que extrajo de su elenco, conserva su encanto y poder. Aunque no es tan divertido ni sexy como podría ser, la versión de City of Angels de Rourke sigue siendo muy disfrutable.

En ninguna pequeña parte, esto se debe a la magia combinada de Robert Jones, Howard Harrison, Gareth Valentine y, especialmente, el incansable Stephen Mear. El movimiento, diseño y apoyo musical a la compañía aquí es más que impresionante. Añade excelentes actuaciones de Marc Elliott, Samantha Barks, Rebecca Trehearn, Sandra Marvin y Cameron Cuffe y el trabajo mayormente bueno de Tam Mutu, Hadley Fraser y Rosalie Craig y pasa por alto las deficiencias en otros miembros del elenco y esta es una sólida producción de City of Angels.

El problema es que debería haber sido sensacional.