RESEÑA: Casa Valentina, Teatro Samuel J Friedman ✭✭✭✭

Casa Valentina - Nick Westrate (de izquierda a derecha), John Cullum, Gabriel Ebert y Tom McGowan. Foto: Matthew Murphy Casa Valentina

Teatro Samuel J. Friedman

13 de abril de 2014

4 Estrellas

Es 1962 y el recuerdo de las cazas de brujas de McCarthy todavía está caliente y fétido. En una pequeña casa de huéspedes en las montañas Catskill, un grupo de hombres se reúne para un fin de semana de diversión elegante. Cada hombre está casado, pero cada uno alberga una pasión por vestirse con atuendo femenino, completo con maquillaje, pelucas y tacones. Estas son "mujeres" felices y elegantes hechas por sí mismas. Algunos de ellos se conocen desde hace años y todos son amigos. La esposa de uno de los hombres, el hombre que posee la casa de huéspedes, está allí con ellos, animándolos a todos, fomentando su particular liberación personal.

A este grupo llegan dos extraños. Uno es un novato, dando sus primeros pasos tentativos en el mundo del travestismo. El otro es un veterano, un travesti de carrera que tiene una agenda política para aumentar el perfil y la aceptación general en la sociedad de hombres como él.

Tal es la configuración de Casa Valentina, una nueva obra de Harvey Fierstein, que ahora se estrena en el Teatro Samuel J. Friedman en Broadway en una producción dirigida por Joe Mantello. Entre ellos, Mantello y Fierstein han estado involucrados o responsables de prácticamente todas las obras importantes de temática gay en los últimos cincuenta años del teatro estadounidense.

Casa Valentina, sin embargo, no es tal obra.

Lejos de ello.

Es una obra sobre un mundo completamente diferente y uno, curiosamente, que parece en desacuerdo con el mantra de aceptación que impregna, o parece impregnar, la cultura gay. Pero es importante recordar que la obra está ambientada en 1962 y que los personajes expresan opiniones que preceden, en su mayoría, a los años 60 amorosos, a Stonewall, las crisis del SIDA y las campañas por la aceptación del matrimonio gay.

Es esa rara bestia teatral: una obra cálida y divertida, a veces hilarante, llena de personajes interesantes, que da un giro y se sumerge en un lugar oscuro, prohibido de angustia, desesperación y traición.

Mantello dirige las acciones con gran amor y cuidado. El hermoso set de Scott Pask presenta varios tocadores y espejos y en estos, en diversos estados de desnudez, los hombres se transforman en sus alter egos femeninos al abrirse la obra. Es un comienzo deliberadamente hermoso y envuelve las acciones en una sensación de gentileza del viejo mundo que es reconfortante tanto por los recuerdos que evoca (todos tenían una madre con un tocador así) como por la distancia que crea entre el presente y la obra.

La obra está bellamente escrita en su mayor parte, aunque parece un poco larga. Hay muchas frases ingeniosas excelentes, pero también hay una sensación de bonhomía que impregna la escritura y que es crucial para el éxito de la obra.

En el primer acto, las "chicas" establecidas se unen para darle un cambio de imagen femenino a la nueva recluta, Miranda, y esa escena es uno de los momentos más alegres y conmovedores en el teatro en cualquier escenario de Broadway actualmente. Brilla con generosidad y un deseo común y compartido de feminidad.

Pero no es solo en la felicidad donde sobresale la escritura de Fierstein. También entiende el dolor y eso se retrata claramente. Y escribe argumentos difíciles bien, con claridad y detalle despiadado. Por lo que las sorpresas del guion tienen verdadera amenaza y efecto.

El casting mayormente acertado ayuda considerablemente.

John Cullum, un veterano de Broadway (que apareció originalmente en la producción original de Camelot), es simplemente maravilloso como la mayor matrona Terry. Cada línea graciosa que se le da es calculada pero también brilla cuando el foco dramático está sobre él. Su discurso sobre por qué nunca se volvería contra la comunidad homosexual que le proporcionó amistad y consuelo en tiempos de desesperada soledad es una clase magistral de entrega dramática sutil y magistral.

El versátil Nick Westrate es magnífico como la pelirroja ardiente, Gloria, con una falda amplia, cintura ajustada y tacones altos. Firme e implacable, Westrate convierte a Gloria en una verdadera fuerza de la naturaleza. Su altercado con su anfitrión es uno de los momentos más destacados de la noche y recordaré durante mucho tiempo el escalofrío que recorrió mi columna vertebral mientras hablaba sobre "saquear los cuerpos" de las chicas que tuvo en la Universidad. Es una actuación verdadera, vigorosa y completamente integral. Maravillosa en todos los sentidos.

Tom McGowan, como la amigable y gorda Bessie, la que tiene un corazón de oro y una inclinación por citar a Oscar Wilde, la que es soldado de carrera en su vida masculina, es un destello de chifón, lápiz labial y alegría visible. Pero puede dar la vuelta como una falda envolvente, y lo hace, para efectos cómicos y dramáticos. Otra deliciosa actuación que nunca cae en la parodia.

El papel más difícil, el del respetado juez de día, Amy los fines de semana, el hombre con una esposa e hija que detestan su lado femenino, el hombre que puede ser quebrado debido a un momento de debilidad, va para Larry Pine, quien es bastante maravilloso como Juez/Amy. Su mente legal afilada es clara cuando su peluca rizada morena no está puesta, pero una vez está puesta, Amy tiene el control y no lo dejará ir. Él proporciona un estudio luminoso de sensibilidad atrapada, deseo encerrado, confianza tonta en los demás.

Pero la actuación más espectacular de la noche la ofrece Reed Birney, quien interpreta a Charlotte, el político de carrera en vestido; la que lleva un traje de negocios naranja, fuma en cadena, bebe martinis de ginebra - la que podría haber sido tu profesora de piano o de historia o la enfermera de la consulta del médico local. La completa encarnación de la eficiencia femenina, Charlotte es tan vil y engañosa - y totalmente, autojustificada e indignante - como cualquiera y Birney saca todo esto sin esfuerzo. Es especialmente escalofriante y extraordinario en un discurso largo, inmaculadamente ajustado donde destruye la vida de una de las otras "chicas" allí presentes. Es una interpretación sutilmente directa, lo cual puede sonar como una contradicción de términos, pero realmente es la clave para el trabajo asombroso que realiza aquí. Actuar tan bien como se puede.

El personaje de Birney es el que saca a relucir algunos de los temas centrales de la obra: la diferencia entre la homosexualidad y el travestismo; la incapacidad del público para ver matices en la actividad de género, para diferenciar entre hombre, mujer y hombres que quieren vestirse como mujeres, para tolerar aquello que es diferente. Tiene un discurso maravilloso donde su personaje opina que en 40 años (así que más o menos ahora) los homosexuales seguirán escabulléndose en las sombras, mientras que los hombres vestidos de mujeres serán tan omnipresentes y aceptados como fumar. Es interesante contemplar cómo el mundo podría haber sido diferente si su personaje hubiera salido con la suya (en los eventos de la vida real que esta obra presenta).

Como la novata, Miranda, Gabriel Ebert también es excelente. Su sentido de trepidación y miedo puro es palpable, transformándose en verdadera emoción y felicidad desenfrenada después de su cambio de imagen. La transición es genuinamente conmovedora de experimentar y lo que sucede en el Acto Dos es aún más poderoso por la felicidad que aporta al Acto Uno. Su escena final, increíblemente triste y conmovedora, es brutal, desgarradora y completamente correcta.

Pero no todo son rosas. Los propietarios de la casa de huéspedes donde todo ocurre, los esposos Rita y George, Mare Winningham y Patrick Page respectivamente, no funcionan ni individual ni como pareja. Winningham es demasiado poco precisa, demasiado imprecisa para ser efectiva como Rita, una mujer que, desde cualquier punto de vista, ha tomado decisiones deliberadas y ha elegido caminos claros. No es nada indecisa.

Page no parece real, especialmente cuando se contrasta con las otras hermanas de la Sororidad. No parece estar a gusto con su id femenina, lo cual es una dificultad considerable ya que todo el clímax de la obra se centra en su necesidad de mantener a toda costa su persona femenina.

La obra sería mucho más un polvorín de posibilidad dramática si estos dos personajes fueran interpretados por actores con más disposición a perderse en las personas particulares que estos papeles son - de la misma manera que el resto del elenco lo hace.

Fue particularmente revelador que Page siempre se viera incómodo y masculino como Valentina, el alter ego de George. Necesita ser tan implacablemente femenino como los demás y, igualmente, también lo necesita la Rita de Winningham. Está interpretando a una de las dos únicas mujeres, y su personaje está vivo, reflexivo y sensible, un contraste completo con la otra (Lisa Emery como una niña fría, incendiaria y muerta por dentro del Juez) - sin embargo, Winningham opta por una nada insustancial vacía cuando realmente, está interpretando al único personaje que ha tomado decisiones y se ha mantenido en ellas constantemente, no solo los fines de semana, toda su vida.

Rita Ryack proporciona maravillosos vestuarios, y el diseño de cabello, peluca y maquillaje de Jason P Hayes es fantástico. El período es claro, los colores vibrantes y la sensación de feminidad inclusiva bastante deliciosa. Justin Townsend ilumina todo con mucha delicadeza, belleza - induciendo una reflexión conmovedora o una felicidad sabia con un movimiento del interruptor. Es una iluminación cuidadosa, profundamente perspicaz que suma inmensurablemente a la fuerza de la producción.

Esta puede ser la mejor obra que Fierstein haya escrito.

Es ciertamente provocativa y arroja luz sobre una subcultura que rara vez recibe el foco. Es reflexiva e inteligente, ingeniosa y mordaz. Necesita un elenco uniformemente ejemplar y en ese respecto la producción de Mantello no le hace justicia.