RESEÑA: Bakersfield Mist, Teatro Duchess ✭✭✭

Bakersfield Mist

Duchess Theatre

25 de junio de 2014.

3 Estrellas

Creo que es relativamente incontrovertido que cualquier obra de arte, en cualquier forma, puede evocar diferentes reacciones entre quienes la contemplan. La gente mira las cosas de manera diferente. De hecho, el único ejemplo de arte, en cualquier género, pintura, canto, actuación, trabajo instrumental, escritura, escultura, danza, actuación, lo que sea, sobre el cual hay un acuerdo universal parece ser la exquisita estatua de David de Miguel Ángel, una obra de arte que cambia la perspectiva del mundo, sobre la vida misma.

Aparte de David, estas diferentes perspectivas mantienen vivo el arte en todas sus formas. Los detractores pueden dar atención a obras que de otro modo pasarían desapercibidas. O pueden destruirlas.

Muchos artistas nunca alcanzaron en vida el tipo de fama y adoración que disfrutan póstumamente. En parte, quizás principalmente, esto se debe a que los expertos o críticos o líderes de sus tiempos no les gustaba, no entendían o no apreciaban su trabajo, y así lo decían. Y el público accedía.

Esta noción del poder, relevancia y efectividad de la opinión experta sobre los asuntos artísticos y las ramificaciones de dicha opinión para los asuntos en cuestión está en el corazón de Bakersfield Mist de Stephen Sachs, que ahora se presenta en el Duchess Theatre, en su temporada de estreno en el Reino Unido, dirigida por Polly Teale.

Kathleen Turner interpreta a una viuda desempleada casi arruinada, Maude, que vive en un parque de caravanas en algún lugar de California y que ha pagado 3 dólares por una pintura en una tienda de segunda mano. Ella cree que el destino le envió la pintura y que es una obra maestra perdida o no descubierta de Jackson Pollock.

Paga al conocedor de arte noble de Ian McDiarmid, Lionel, para que inspeccione su hallazgo y reconozca su procedencia. Lionel es una criatura engreída, mojigata, superciliosa y arrogante del mundo del arte de Nueva York, famoso por haber sido despedido por la adquisición de una estatua griega que él pensaba que era areté, pero que su consejo consideró falsa y cara, a pesar de que todavía exhiben la estatua a los visitantes que pagan.

Lionel simplemente no puede concebir que un importante Pollock pueda estar en un parque de caravanas en California. Evalúa la pintura en lo que equivale a un parpadeo y la declara falsa. Pero Maude persiste, presentando algunas pruebas prima facie razonablemente persuasivas que apuntan a la mano de Pollock en el trabajo. Pero, habiendo realizado su examen experto superficial, Lionel no se deja convencer.

Después de algunas idas y venidas entre los dos, incluido un enfrentamiento con un impresionante cuchillo de trinchar, un intento desganado de seducción y algo de introspección, Lionel huye, la pintura se destina a una vida como falsa, aunque un multimillonario extranjero está dispuesto a pagar 2 millones de dólares por ella.

Pero Maude no venderá: ella cree en la pintura, y, al final de la obra, mientras el sol comienza a ponerse afuera, vemos algo de la luz en la que ella ve su pintura.

¿Son las razones de Maude para pensar que la pintura es un verdadero Pollock más o menos persuasivas que la certeza absoluta de Lionel de que su visión de experto es correcta? ¿Y importa? ¿El poder y la belleza están en la obra misma o en quien la creó? ¿La pintura se convierte en algo con importancia artística no por lo que es o cómo afecta al espectador, sino por quién se dice que la pintó? Especialmente cuando ninguna de las partes puede estar segura más allá de la duda razonable.

Estas son cuestiones importantes y fascinantes. Están en el corazón del interminable debate sobre si William Shakespeare escribió todas las obras que se le atribuyen. Importan.

La obra de Sachs, sin embargo, no. Es demasiado larga, demasiado pesada y demasiado engreída. Hay, quizás, 40 minutos de buen material aquí, material que sin adornos irrelevantes podría haber hecho de una experiencia teatral interesante.

Pero Sachs vierte cubos de historia sentimental de fondo sobre Maude y Lionel sobre la verdadera carne de la pieza, de modo que el público se queda con el equivalente teatral de un gran pastel relleno de salsa insípida en la que flotan dos sabrosas albóndigas. Los estadounidenses tienen una capacidad interminable para el autoexamen vocal y la autojustificación, pero no es ni necesario ni productivo que esa inclinación sea indulgente por parte de Maude o Lionel, o al menos tan exponencial y consumidamente como ocurre aquí.

Como la primera albóndiga, Maude de Kathleen Turner es un bocado, deliciosa, picante, algo para saborear, áspera pero hecha a mano con ingredientes de primera calidad. Como una mezcla entre Beatrice Arthur (otra famosa Maude) y Roseanne Barr, con un toque de Bea Smith de Val Lehman, la vital y afrutada Maude de Turner es un placer de ver. Ella ataca su papel con salsa y entusiasmo y su Maude es memorable y real. Su voz áspera y grave es perfecta para el escupir y maldecir de la manera de Maude y su sentido de fisicalidad feroz es absolutamente perfecto. La mente inquisitiva siempre está ahí, fatigada por la desesperación y los restos de su vida, pero capaz de sorpresa, como en el momento del dactilar tipo Poirot y la conclusión de bravura del enfrentamiento con el cuchillo de trinchar.

Como la albóndiga número dos, Ian McDiarmid no es del mismo calidad o consistencia; ligeramente rota, mal ensamblada, (sabes que es una albóndiga porque sigue diciéndotelo) y porque hay pedacitos de verdadera carne en el personaje. Pero el efecto general está pasado de cocción y es insípido. McDiarmid puede ser sorprendentemente bueno en el papel adecuado, pero este no lo es. “Actúa” demasiado y nunca hay un sentido de que Lionel sea real o consistente. En parte es la escritura, pero sobre todo es la actuación.

Hay una fotografía en el programa de McDiarmid en los ensayos y la expresión de su rostro es una de incomprensión desconcertada fusionada con indignación asombrada. El subtítulo sería “¿Qué demonios?” Y eso resume su interpretación. No todo es malo, solo es agrio y dulce. El discurso de McDiarmid sobre la gloria de Pollock y la manera de trabajar de él es maravilloso, al igual que su recuerdo notable del descubrimiento de la estatua griega y el concepto de arête. Pero otros discursos sobre su propia vida e insuficiencias pertenecen a una telenovela y no se integran con su mejor trabajo.

Como chef principal, Polly Teale necesita volver a la cocina. Los ingredientes son buenos, pero el menú necesita un recorte. Cortar el juego exagerado de Sachs y algo de verdadero valor podría surgir.

Eso sí, la presentación es excepcional: el diseño de Tom Piper es preciso y sombrío, creando firmemente la vida y las circunstancias desechables de Maude en una caravana. Y la iluminación de Oliver Fenwick es encantadora en la escena final crítica.

Pero es el turno de Turner y vale la pena por eso.

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