RESEÑA: Aida, Opera Holland Park ✭✭✭

Heather Shipp como Amneris y Peter Auty como Radamès. Foto: Robert Workman Aida

Opera Holland Park

19/07/15

3 Estrellas

La música o el teatro escritos para ocasiones especiales tienden a quedarse exactamente así: ocasionales. Adecuados para ese evento pero sin poseer suficiente poder de permanencia o vida artística independiente para merecer más salidas. Sin embargo, hay excepciones, y Aida de Verdi se erige como una lección notable y aún relevante de cómo crear un espectáculo emocionante, que al mismo tiempo posee un drama interno privado de gran complejidad con poder para conmover, no simplemente para impresionar. Cualquier producción exitosa requiere que ambos aspectos funcionen igualmente bien y se alimenten mutuamente: aunque musicalmente este fue el caso en Holland Park, los valores de producción no siempre fueron útiles.

Esta ópera casi no ocurre. A finales de la década de 1860, Verdi estaba más centrado en la gestión de su finca que en la composición, y se necesitó un enorme honorario del Jedive de Egipto para convencerlo de asumir el encargo para la inauguración de la Ópera de El Cairo. Pero una vez comprometido, utilizó el marco del libreto de Ghislanzoni para canalizar algunas de sus reflexiones más impresionantes sobre los conflictos entre los valores individuales y comunitarios, la tiranía del clero, y ese tema perenne en toda su obra: padres e hijas. Aunque la ópera es famosa, si no notoria, por el estruendoso triunfalismo de los coros en el Acto 2, esa reputación está desmentida por la mayoría de la escritura, que es de la máxima delicadeza tanto en la línea vocal como en la paleta orquestal. Esta diversa combinación es aún más difícil de llevar a cabo en un entorno semiabierto, pero la Opera Holland Park tiene gran experiencia ahora en sacar el máximo provecho de su entorno, y el desafío de estos contrastes prácticos fue bien abordado en esta producción.

Gweneth-Ann Jeffers como Aida y Peter Auty como Radamès. Foto: Robert Workman A pesar de su fama e importancia en el canon, Aida no se presenta tan a menudo, ciertamente en Londres. Probablemente, una gran parte de la explicación reside en los costos involucrados, ya sea en personal o en el costo de vestuario, decorados y el brillo faraónico asociado. La idea de una producción no lujosa es simplemente inviable. Pero también parece haber un grado de reserva e incertidumbre sobre el estilo apropiado a adoptar. ¿Se debe excluir o abrazar defiamente el orientalismo del original? Una intervención directorial decisiva es esencial aquí, y en este aspecto el director Daniel Slater hasta cierto punto rehúye el problema. Comenzamos en un entorno moderno y luego gradualmente nos movemos hacia una interpretación mucho más tradicional y directa con la transición entre los dos nunca hecha dramáticamente explícita. Aunque esto no disminuye significativamente los muchos placeres y recompensas de la noche, la ópera merecía y se habría beneficiado del voto de confianza de un claro compromiso con una única visión rectora, de cualquier tipo y carácter, tradicional o subversiva.

La fachada jacobea simulada sobreviviente de Holland House proporciona un telón de fondo arquitectónico adecuadamente grandioso para una plataforma teatral poblada por tres estatuas egipcias de dioses más grandes que la vida sobre pedestales: el diseñador Robert Innes Hopkins nos sitúa en una galería de museo, con una opulenta recepción de etiqueta negra en marcha organizada por Amneris (Heather Shipp) y su padre, el Rey (Keel Watson), y con Ramfis (Graeme Broadbent) como maestro de ceremonias. El inevitable derrame de una bebida proporciona una señal para que Aida (Gweneth-Ann Jeffers) entre vestida de limpiadora y una mirada significativa entre ella y Radamès (Peter Auty), observada por Amneris, pone en marcha la trama. El tema de la fiesta de donantes del museo que se descontrola continúa al menos hasta el final del Acto Dos cuando Radamès es armado para el combate con un conjunto de armadura histórica, y el personal del museo emerge como los prisioneros etíopes. La escena triunfante está decorada con joyas y tesoros aparentemente saqueados de otras partes de la colección del museo, y se desarrolla una orgía impulsada por pólvoress blancos predecibles y lluvias de billetes. Las cosas se calman una vez que llegamos a la 'Escena del Nilo', el juicio final y el enterramiento. Aquí la producción finalmente se quita del camino y permite a las confrontaciones entre Aida y su padre, y Radamès y Amneris su pleno peso emocional y libertad dramática antes de una final reunión conmovedora entre Radamès y Aida. No se puede evitar pensar, sin embargo, que hubo una oportunidad perdida al no hacer más de la aversión de Verdi por el clero que finalmente gobierna Egipto. El anticlericalismo y la necesidad de una clara separación entre la iglesia y el estado es un tema dominante del Acto Cuatro y, de hecho, de la vida artística de Verdi en su conjunto. Aunque Heather Shipp como Amneris transmitió el mensaje poderosamente en el escenario, es una lástima que la producción no haya referenciado este tema más claramente.

Graeme Broadbent como Ramfis y Keel Watson como El Rey. Foto: Robert Workman

Entre todas estas mensajes mixtos, los valores musicales de la actuación estuvieron sin embargo muy bien proyectados. La Orquesta Sinfónica de Londres bajo la dirección del conductor Manlio Benzi tuvo una muy buena noche. Los metales tienen mucho trabajo que hacer tanto en el escenario como fuera, ya sea triunfantes u ominosamente oscuros, y todos estos obstáculos fueron superados con gran destreza. En otros lugares hubo todo el mordiente y el peso que se podría pedir en los momentos ceremoniales, y muchos solos delicados e interludios de estilo camerístico para equilibrarlos. Benzi fue muy sensible a las necesidades de sus cantantes al marcar el ritmo del acompañamiento, aunque algunos de los coros se llevaron a una velocidad vertiginosa que parecía presionar a todos un poco más de lo que la partitura requiere. En el papel titular, Jeffers fue más que impresionante vocalmente, con líneas delicadas y bien hiladas en las escenas íntimas y la capacidad de elevarse sobre los otros cantantes y la orquesta cuando fue necesario. Su personalidad dramática fue algo retraída al principio, pero cobró vida en los últimos dos actos, y especialmente en el maravilloso dúo apasionado con su padre, el rey etíope Amonasro (Jonathan Veira), quien hizo que cada nota en su relativamente pequeño papel contara. Peter Auty estaba enfermo en la noche y solo actuó en el papel de Radamès, con un cantante sustituto en el foso. Esto fue menos perjudicial para la credibilidad dramática de lo que podría esperarse, dado la calidad del suplente y la plausibilidad comprometida de la actuación de Auty. De alguna manera el personaje más interesante de la ópera es Amneris, quien experimenta los dilemas más exigentes y cuya vida interior vislumbramos más agudamente que en el caso de los otros roles principales. Ella es la encarnación del conflicto entre la preferencia individual y el deber al estado, y al final la portavoz de lo que Verdi quiere que sintamos y pensemos en el público. Después de un comienzo algo lento, Heather Shipp sacó a relucir estas dimensiones poderosamente en su fuerte personalidad escénica y tono heroico pero plañidero. Keel Watson y Graeme Broadbent actuaron como poderosos contrastes de bajo hacia ella y ofrecieron actuaciones fuertemente caracterizadas y detalladas como faraón y sumo sacerdote. En una obra que depende más de lo habitual de una fuerte contribución coral, el Coro de la Opera Holland Park, con más de treinta miembros, hicieron un trabajo encomiable no solo vocalmente sino en coreografía y movimiento escénico inventivo y flexible para el cual el director de movimiento Maxine Braham debería recibir el debido crédito.

Esta es una gran ópera que puede aceptar muchas interpretaciones diferentes. Sin embargo, no hay espacio para el compromiso. En última instancia, debe hacerse directa y con la absoluta convicción de que los temas de los que trata son tan importantes para nuestra cultura ahora como lo fueron para Verdi en la década de 1860. O si se cree que el escenario tradicional plantea demasiadas preguntas inquietantes o está más allá del presupuesto para realizarse, entonces se necesita un escenario alternativo completamente pensado. A pesar de sus sobresalientes virtudes musicales, visuales y dinámicas, esta producción nunca termina de tomar la decisión final, y si hay un principio que esta historia representa ineludiblemente, es la necesidad de tomar una postura y mantenerse firme hasta el amargo final.

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