RESEÑA: Abyss, Teatro Arcola ✭✭✭✭

Abyss

Arcola Theatre Studio 2

4 estrellas

Hace muchos años visité Berlín poco después de la caída del muro. Siempre me ha interesado conocer las casas y lugares de trabajo de escritores y compositores, así que después de agotar los lugares turísticos obvios decidí visitar el Museo Brecht-Weigel, donde la pareja teatral del poder de la RDA pasó sus últimos años. Era una época deprimente para ir: la financiación del museo y del Berliner Ensemble estaba en duda, y el leal curador no había cobrado en meses. Sin embargo, la casa en sí hablaba elocuentemente de las contradicciones de su famoso dueño. Allí estaban, sin duda, las obras y ensayos que intentaban desconcertar al público para que repensaran el papel social del teatro y desterraran la cansina dependencia del mero relato y el desarrollo textual de personajes. Pero cuando entrabas en la austera habitación de Brecht, allí, para mi asombro, sobre la estrecha cama individual, había toda una larga fila de novelas de bolsillo bien manoseadas de thrillers, westerns y novelas policiacas, guardadas como un alijo secreto de bombones, como un tributo al primado de la trama. Esta experiencia resurgió en mi mente durante la reciente temporada de ABYSS en el Arcola, Studio 2, donde la cuestión del papel de la narrativa versus la emoción abstracta está muy presente. Esta obra comenzó hace unos años en el Deutsches Theater, Berlín, como Brandung. Todavía se está representando allí, pero entretanto también se ha trasladado a Toronto con algunas revisiones, y de allí ahora a Londres. Ha adquirido algo de relleno narrativo adicional en el camino, pero sigue siendo esencialmente una obra de teatro regisseur donde el enfoque está más en transmitir los estados emocionales de los intérpretes a través del movimiento, el sonido y el texto, tanto o más que a través del texto, que en cualquier caso es más incantatorio que expositivo. La pregunta clave, por lo tanto, es qué tan exitoso es la pieza en estos términos: ¿esta autolimitación es habilitante y reveladora, o restrictiva y empobrecedora? La respuesta, como tantas veces, no es clara.

El espacio rectangular de Studio 2 está dispuesto de forma sencilla, con tres bancos de asientos, una pared de bombillas colgadas frente a nosotros y una gran mesa en el centro del espacio. Dos barras de trapecio están suspendidas del techo a ambos lados. La mesa es de muchas maneras la pieza central de la acción, usada de manera flexible para escenas de conflicto, reconciliación, y como lugar de refugio y sacrificio estilizado. Hay gran cantidad de movimientos impresionantemente elaborados explorando todas las dimensiones del espacio que producen cuadros de poderosa tensión dramática y concentración poética, que serían así si simplemente estuviéramos presenciando una instalación artística en lugar de una obra. Las bombillas de la pared trasera pulsan y se atenúan en diferentes combinaciones como un comentario mudo o música ambiental para la acción. Gran crédito se debe a la directora de movimiento, Anna Morrissey, y al diseñador de iluminación, Ziggy Jacobs, en estos aspectos.

Hay tres actores y cuatro personajes, algunos más en busca de un autor que otros. La figura del narrador, que no tiene nombre, (Nicola Kavanagh) comparte un apartamento en una ciudad alemana no especificada con su hermana, Sofia, (Jennifer English) y un hombre de ascendencia serbia y croata, Vlado, (Iain Batchelor). Batchelor también interpreta al nuevo novio del narrador, Jan. Ausente todo el tiempo está Karla, la última integrante de este piso compartido y novia de Vlado. Su partida es el momento en que comienza la acción. Ha salido a buscar suministros y nunca regresa. La acción está punteada por un conteo de días desde su partida dado en alemán. El narrador nos guía a través de una secuencia de reacciones a la desaparición de una amiga cercana: incredulidad, intentos de convencer a la policía de que tome el caso en serio y finalmente (cuando no lo hacen) intentos de todos los amigos para crear conciencia en los medios sociales e impresos y buscar a la persona desaparecida por su cuenta. Estos aspectos más tradicionales se puntúan con Sofía describiendo la matanza, preparación, cocción y servicio de un conejo que sirve como comentario simbólico sobre los eventos que se insinúan pero nunca se nos presentan completamente. La atmósfera y el tono se oscurecen aún más en la segunda mitad de la tarde, ya que la atención de los actores se desvía de las exterioridades hacia el mundo de la memoria y la responsabilidad personal mientras recuerdan tiempos y eventos anteriores más felices en compañía de Karla. ¿Cuán confiables son los relatos que estamos recibiendo, y quién, si alguien, debería recibir nuestra confianza? Las respuestas finales se dejan en gran medida a nuestra determinación.

Todos los actores aprovechan las oportunidades que se les han dado con pasión y gracia: English proporciona un comentario corista enojado sobre la acción gran parte del tiempo lleno de desprecio sobreviviente por las circunstancias imposibles en las que se encuentran; mientras que Kavanagh, que tiene más texto con el cual trabajar, transmite hábilmente la sucesión de estados de ánimo que provoca una desaparición inexplicable: incredulidad, enojo de no ser tomada en serio, desesperación y desesperanza, y culpa del sobreviviente. Como Vlado, Batchelor cava aún más profundo con una representación de una figura problemática y perturbadora, claramente dañada por su conflictiva crianza en Yugoslavia, y experimentando la fragmentación de la personalidad asociada a alguien que enfrenta racismo y falta de respeto diario además de la pérdida de una identidad central primaria. Tiene mucho menos con lo que trabajar en su representación de Jan, y aunque las actuaciones se distinguen exitosamente unas de otras, si la obra perdiera este personaje en realidad ganaría más enfoque y impulso general.

La deliberada negativa de respuestas narrativas hasta cerca del final de la obra es por lo tanto tanto el desafío como la oportunidad proporcionados por el autor y director. En general, las recompensas superan las frustraciones. Los intérpretes ofrecen una poderosa elocuencia poética que atrae la atención y nos deja mucho espacio como miembros de la audiencia dentro del cual reflexionar sobre las grandes cuestiones que plantea esta obra: ¿cómo se construye, desmorona y reconstruye la confianza? ¿Qué podemos saber en una crisis incluso de aquellos con quienes hemos vivido durante mucho tiempo en la adversidad? ¿Cómo pueden los testigos de los mismos eventos producir recuerdos tan diferentes con aparente sinceridad? Sobre todo, en tiempos de adversidad, ¿qué partes de nuestro propio carácter saldrán a la luz... las más templadas y valientes, o las más abyectas y cobardes?

Pero al final, la tensión entre el conteo diario del paso del tiempo y la evasión de una dirección narrativa es demasiado para sostener y en las secciones finales volvemos a una técnica expositiva más predecible con cierto alivio. Además, las actuaciones de los actores se relajan notablemente una vez que el formalismo abstracto, casi hierático, da paso a una presentación más naturalista. La variedad de tono y forma no es el enemigo del pensamiento después de todo. También necesitamos nuestros thrillers y westerns. Mi única gran objeción es que el intervalo es completamente innecesario: la obra estaría mucho mejor con una representación continua. Pero no dejes que esto te desanime: esta es una fascinante velada de gran habilidad y seriedad, una de esas en las que lo que obtienes es proporcional a lo que estás dispuesto a poner...

Abyss estará en el Arcola Theatre hasta el 25 de abril, 2015