RESEÑA: Una Vista Desde el Puente, Young Vic Theatre ✭✭✭✭✭

Una Vista Desde El Puente Teatro Young Vic

25 de abril de 2014

5 estrellas NOTICIA DE ÚLTIMA HORA - Esta producción se trasladará al Teatro Wyndhams a principios de 2015 Sin duda, dentro de cincuenta años, aquellos interesados en estas cosas mirarán hacia atrás a la producción austera, contundente y absolutamente impresionante de Ivo van Hove de A View From The Bridge de Arthur Miller, que ahora se representa en el Young Vic, con el tipo de reverencia y asombro que actualmente se reserva para el Othello de Olivier o el El Sueño de Una Noche de Verano innovador de Peter Brook.

Reveladora y casi insoportablemente intrigante, esta producción es una obra maestra en todo el sentido.

La obra de Miller puede parecer larga, porque es una sinfonía añeja de dolor y obsesión. Con una duración ininterrumpida de dos horas, esta versión es considerablemente más corta de lo habitual pero no pierde nada y gana una cantidad considerable a través del corte y revisión juiciosos. La exposición es hábilmente abandonada en favor de llegar al sucinto y pútrido corazón de la tragedia. Dudo que esta obra haya sido examinada y retratada con tanto éxito como aquí.

El extraordinario escenario de Jan Versweyveld asiste, de una manera real y visceral, a establecer las resonancias emocionales de la obra.

El teatro está configurado como un escenario de tres lados, con una enorme estructura en forma de ataúd en el centro del área de actuación. El Requiem de Fauré señala el comienzo de la acción, y al comenzar sus tonos fúnebres, los lados y la tapa de la estructura se elevan para revelar un espacio largo que podría ser un ring de boxeo de forma extraña. Dos hombres están duchándose, limpiándose después de un largo y arduo día de trabajo muy duro. El sentido de actividad masculina cansada, resignada y poderosa es palpable, al igual que la noción de purificación.

Esta imagen inicial es increíblemente evocadora y sin decir una palabra te dice exactamente qué tipo de hombre es Eddie, el personaje central. Alfieri, el abogado narrador, comienza su monólogo reflexivo mientras la ducha y el cambio de ropa tienen lugar. Para cuando el discurso termina y los hombres están vestidos, el poderoso, brutal y duro personaje de Eddie es cristalino.

Y el público se sumerge directamente en la piscina enconada del círculo íntimo de Eddie. Su matrimonio sin deseo con una Beatrice perpleja. Su obsesión con su sobrina adolescente Katherine. Su oferta de ayuda a los hermanos inmigrantes ilegales, Marco y Rodolpho, ambos que han huido de Italia con la esperanza de trabajar y la perspectiva de ahorrar dinero.

Hay un momento clave, muy temprano, cuando Katherine corre al hogar que comparte con Eddie y Beatrice y se lanza sobre Eddie, montándose sobre él después de que él la levanta en sus brazos, un movimiento practicado y fluido, obviamente resultado de la repetición diaria. Un movimiento que sería entrañable si Catherine tuviera 10 años pero da escalofríos porque está alcanzando la adultez. La mirada asustada y angustiada en los ojos de Beatrice contrapone la familiaridad demostrada por su marido y su sobrina. Ese único momento dice más sobre esta relación que páginas de diálogo.

Así que van Hove progresa a lo largo de la noche, fileteando el guion, produciendo imágenes icónicas y duraderas que graban la situación en el público como lo haría una marca de ganado y luego usando el diálogo de manera económica para desarrollar las complejidades.

No hay utilería, ni escenografía. Solo el escenario desnudo, los actores, la fuerza de la pieza y, para una breve escena, una única silla. El elenco está descalzo durante toda la obra, una decisión que confirma silenciosa pero inmediatamente su vulnerabilidad mientras evoca nociones de hogar y iglesia y permite que la secuencia donde Catherine usa tacones altos destaque con claridad.

Nada aquí sucede por casualidad. Cada decisión tiene significado, resonancia, propósito.

Cuando Rodolpho se enamora de Catherine, ves su transición de adolescente a mujer frente a tus ojos. Cuando Beatrice finalmente nombra la fuente de su incomodidad marital es con una singularidad venenosa que atraviesa el corazón. Cuando Marco, casi imposible, sostiene una silla por su pata trasera derecha durante lo que parece una eternidad, la demostración de poder supremo agresivo es palpable. Cuando Eddie sujeta los brazos de Rodolpho a sus lados con un brutal candado y luego lo besa brutalmente, es aterrador y vil: un momento de poder eléctrico y crudo.

Lo más impresionante es una secuencia tardía en la obra, cuando las tensiones son altas en el hogar, y una breve escena sobre asuntos mundanos se desarrolla, como una fachada a las tensiones interpersonales hirvientes en la casa. Cada línea o parte de una línea se dice de manera titubeante y luego sigue un largo y prolongado silencio; el efecto acumulativo es impactantemente perturbador, casi insoportablemente tenso. Sientes como si estuvieras atado a dinamita y la chispa de detonación se dirigiera hacia ti a toda velocidad. Es material extraordinario.

Realmente es impresionantemente buena en todos los sentidos. Y la última viñeta cubierta de sangre es tanto poética como horrible y demuestra un tipo de purificación radicalmente diferente al que vio empezar los eventos. Ninguna escena de lucha podría ser tan provocativa, tan detalladamente sombría, tan impactante y abarcadora, como las tablas finales aquí.

Cuando la tapa del "ataúd" se cierra, el dolor queda encerrado. El público queda aturdido y en silencio, bañado en el estallido sónico de la obsesión fatal y sus consecuencias que, como una fina sinfonía de Mahler, se ha desarrollado con una claridad divina y sin dejar piedra sin remover.

El reparto aquí es impecable.

Mark Strong es asombroso como Eddie, todo deseo reprimido, ira contenida y vital pero trastornada masculinidad egoica. Es una actuación rica y profundamente inquietante llena de detalle intenso, radiante e incisivo. Deberían marcar el Premio Olivier como suyo ahora porque es poco probable que el escenario de Londres vea una actuación imponente de esta complejidad, esta fisicalidad, este excepcional estándar vocal, esta pura, cruda potencia próximamente. Asombroso en todos los sentidos.

Nicola Walker es magnífica como la Beatrice desplazada. Ella es más dura y directa de lo que Beatrice usualmente es, pero esto funciona completamente a favor del personaje. La distancia entre su sonrisa de esperanza y su mueca de miedo y desesperación es alarmantemente corta pero deslumbrante de ver; a medida que la obra avanza, la distancia se acorta hasta que, finalmente, las expresiones son una. Walker es maravillosa al reflejar este dolor e incomodidad en todo su cuerpo. Emocionante.

Luke Norris es sensacional como el chico bonito Rodolpho que sin saberlo desafía las concepciones de masculinidad de Eddie y fatalmente se enamora de la persona objeto de las nociones lujuriosas de Eddie. Norris es un Rodolpho ferozmente heterosexual, pero demuestra casualmente el lado más suave de este italiano romántico. Está en excelente condición física y aporta un compromiso juvenil a cada parte del papel. Fascinante.

Nunca he visto un Marco más complejo, más sombrío, más paternal, más humilde, más absolutamente perfecto que el proporcionado aquí por el talentoso Emun Elliot. Es increíblemente bueno, el hermano perfecto para Rodolpho, el padre amoroso y solidario para su familia lejana, y un hombre de hombres que puede vencer a Eddie en una pelea si es necesario. Su sentido visceral de indignación ante el acto asesino de Eddie proporciona la dinamita para este resultado explosivo particular. Peligrosamente bueno.

Phoebe Fox es perfecta como Catherine y es completamente posible creer que la Catherine de Fox no sabía lo que Eddie realmente pensaba hasta que él (y Beatrice) lo deja claro. Su amor por Rodolpho es genuino y dulce, su afecto por Beatrice incuestionable y su amor por, pero total incapacidad para comprender el deseo obsesivo de Eddie, delicadamente, pero con precisión, interpretado. Sus silencios también son instructivos, al igual que las escenas donde ella se sienta al margen, siempre una presencia en las vidas de los otros personajes. Sublime.

Como el abogado acosado y semejante a Poncio Pilato, Alfieri, Michael Gould está simplemente maravilloso. Él transmite la cansada reticencia a involucrarse y, con una claridad gentil pero meticulosa, proporciona la "conciencia" de la pieza, el otro punto de vista. Sus contribuciones no detienen el progreso de la obra (como a veces pueden); por el contrario, enriquecen y embellecen los pasos en el camino. Magnífico en todos los sentidos.

Esto es una absoluta cita obligada para cualquiera que ame el teatro. Está agotado en el Young Vic pero con suerte se trasladará. Hay entradas del día liberadas cada día. Haz lo que sea por conseguir una y ver este excepcional pedazo de teatro.